Fournisseur de :Ambiance folk éthérée, drones vignetés chaleureux.
Fichier à côté de :Rafael Anton Irisarri, Lawrence English, Taylor Deupree
Playing: « Don’t Speak » de Wavelength le vendredi 25 mars à Array Space.Achetez vos billets ici !
Cela fait presque dix ans que Benoît Pioulard a sorti son premier album,Précis, sur Kranky — le label connu pour héberger d'autres artistes ambient très notables tels que Tim Hecker, Grouper et Loscil. Utilisant et transformant sa guitare, sa voix et ses enregistrements de terrain pour créer des paysages sonores atmosphériques et texturés, Benoît Pioulard crée des formes musicales qui passent en douceur de structures plus orientées folk à des murs d'ambiance rêveurs qui envahissent l'auditeur. Ses sorties semblent liées de manière unique mais évidemment distinctes les unes des autres.
Vous venez d'entamer une tournée nord-américaine assez importante. En quoi trouvez-vous que l'accueil réservé à votre musique diffère ici, par rapport à l'Europe ou ailleurs ?
Je trouve que la plupart des publics, partout dans le monde, comprennent les bienfaits du silence et du respect pendant un spectacle, ce qui fait toute la différence pour quelqu'un sur scène. Il arrive qu'on se retrouve à jouer dans un bar sans couverture pour la foule après le travail, mais ça peut aussi être amusant. Étant en tournée, je n'ai aucune idée de la façon dont les autres intériorisent ou vivent le spectacle, mais les conversations que j'ai eues avec les gens au fil des ans créent un lien très rare qui compte énormément pour moi.
Quels types de facteurs vous aident à déterminer la direction que vous prenez à chaque sortie ?
Il semble toujours y avoir une sorte d'intuition innommable et inquantifiable qui me guide au détour du chemin. Non pas que je sois fataliste, mais j'essaie d'être réceptif au monde et attentif à mon moi intérieur, et cela m'a conduit à de nombreux projets très cathartiques et épanouissants.
Côté logiciel, je crois comprendre que vous utilisez GarageBand comme station de travail de référence, ce qui a sans doute ses limites, mais vous parvenez à créer une musique incroyablement riche. Pouvez-vous nous en dire plus sur les outils et les limites qui sont essentiels à votre processus de composition, et peut-être sur la façon dont la collaboration avec d'autres artistes a influencé votre flux de travail ?
Pour moi, GarageBand est comme une version numérique d'une cassette quatre pistes, celle que j'utilisais pour mes enregistrements de 12 à 20 ans. L'avantage, c'est qu'il y a bien plus de quatre pistes à utiliser et que les possibilités d'édition sont bien plus étendues. J'apprécie toujours le bruit ambiant et les artefacts analogiques, donc mon processus a toujours été assez libre et adaptable ; tout ce qui permet une certaine spontanéité est un plus.
Votre musique semble avoir un aspect très visuel, et vous vous décrivez comme un « photographe ». Comment percevez-vous le lien entre votre musique et votre travail visuel ?
Je suis tout aussi passionné par la création auditive que visuelle, mais j’ai l’impression d’avoir une voix plus forte dans la musique, donc les photos sont plus un domaine d’expérimentation pour moi… J’établis généralement des liens visuels très forts avec mes disques préférés, donc la pochette et l’emballage de l’album sont essentiels à mon expérience d’écoute musicale.
En dehors de la musique, quelles sont vos principales sources d’inspiration ?
Randonnée, vélo et Terrence Malick.
Le concept de ce prochain spectacle à Toronto est d'éliminer toute forme de parole du concert. En tant qu'artiste ou spectateur, y a-t-il quelque chose qui vous agace particulièrement lorsque vous recherchez de la musique live ?
Pas dans les grandes lignes, mais j'ai vu un jour un spectacle où une fille ivre près de moi a jugé bon de chanter – très fort et faux – une douce ballade acoustique, au point d'être aussi forte que la voix de l'artiste provenant du système de sonorisation. C'était assez brutal.
— Entretien par Johan Seaton