Fournisseurs de : Formes flottantes et informes
Fichier suivant : Nick Storring, Tim Hecker, Plato’sTimée
Jouant: WL606 : Khôra + Entrées sales + Thom Huhtala @ 8-11
Matthew Ramolo a sorti des albums sous le nom deKHÔRAdepuis 2006, y compris sonSilencieux, ton corps est sans fin, qui a été réédité dans le cadre du premier volume de Constellation RecordsMusique FragileSérie. Tirant son nom d'un concept philosophique intraduisible, la musique de Khôra est tout aussi fuyante et indéfinissable – là/absent, secrète, suggestive et un tout autre formé/informe. Joe Strutt s'est entretenu par courriel avec Ramolo sur ses idées, sa musique, son processus et sa collaboration.
«KHÔRA" (χώρα) est un concept plutôt abstrait — comment est-ce devenu le nom de votre projet musical ?
En quelque sorte, je suis entré dans la musique par la philosophie etkhôraétait un concept que j'utilisais pour relier un monde à un autre. C'est un nom commun en grec, mais il y a une certaine impénétrabilité qui entoure la notion dekhôratel qu'il a été déployé tôt dans la philosophie occidentale et j'en suis venu à comprendre cette impénétrabilité comme coïncidant quelque peu avec les effets de la musique et de l'art. Il est apparu poétiquement mûr et, dans la mesure où on ne pouvait pas dire qu'il s'accorde avec le plein ou le vide, semblait un marqueur digne d'une unité d'existence intuitive mais ineffable qui réconciliait les deux, en étant les deux et aucun des deux. En tant que cas limite, c'était et continue d'être une pensée qui valait la peine de répandre des sons et de l'encre, un véhicule qui me recevrait, qui que je sois, mais qui ne pourrait jamais coïncider avec moi, puisque je ne pourrais jamais coïncider avec moi-même - quelque chose à travers lequel je pourrais jouer mon existence et contre laquelle je pourrais jouer mon existence.
Le son est riche et détaillé, et même en live, on perçoit une certaine précision. Vos morceaux sont-ils bien composés ou laissez-vous une place à l'improvisation ?
Français Dans la mesure où il existe un monde sonore itérable associé à une composition donnée, les pièces sont écrites — c'est-à-dire qu'il y a des progressions d'accords ou mélodiques, des timbres, des enregistrements de terrain, des dispositifs de cadrage et des motifs qui servent à atteindre un degré de cohérence et de reconnaissabilité. Les éléments ci-dessus en concert créent un champ sonore intensément stratifié et, parce qu'ils ne se suivent pas nécessairement linéairement les uns des autres, l'attention se déplace rapidement des matériaux préparés et se concentre sur l'élargissement du cadre de l'esthétique pour absorber des éléments qui échappent à mon contrôle en tant qu'interprète (le son ambiant qui existe dans l'environnement immédiat, par exemple), ainsi que certaines relations instinctives et émotionnelles avec la salle qui finissent par constituer la trame improvisée d'une pièce. Le risque de l'improvisation — essayer de faire ressortir les axes de relation émotionnelle qui existent entre l'interprète, l'espace et le public — fait partie de ce qui rend une performance live percutante et, sans cette dimension d'expérimentation, je pense que je ne me produirais pas très souvent en live. Pour moi, l’une des tactiques directrices de ce jeu expérimental et musical, cette tension entre improvisation et composition, est d’inonder les témoins d’un déluge sonore, mais aussi de les guider gracieusement à travers le déluge avec des lignes envoûtantes afin de donner l’impression que l’on entend au-delà de la pièce et dans la mécanique de l’univers – un contrepoint défini uniquement comme une « présence coïncidente ».
Quel est le processus et le rythme de travail de Khôra ? Vous en tenez-vous à une idée musicale précise ou ajoutez-vous constamment de nouveaux morceaux ? Concernant le matériel, avez-vous l'impression que le projet est lié à certains instruments (et à certains timbres) ou qu'il évolue au fil du temps ?
Le projet est certainement quelque chose qui évolue mais qui est aussi, même si j'essaie de le changer, finalement lié à des choses ennuyeuses comme le temps et l'inévitabilité de devoir manger.
J'ai une pratique d'enregistrement régulière dans la mesure de mes moyens depuis l'âge de 18 ans environ et je possède de vastes archives de sons musicaux, de musique improvisée, d'enregistrements de terrain et de boucles dans lesquelles je puise pour mes albums et mes performances live. En général, un album de Khôra émerge comme un sous-produit d'un collage ciblé et d'un réenregistrement de ce matériel d'archives sous les auspices d'un concept particulier, bien que de nouveaux overdubs aient tendance à être introduits au fur et à mesure de ce processus pour aider à concrétiser pleinement une ligne d'exploration. J'aime effacer l'origine d'un son ou d'une idée, pour le rendre quelque peu acousmatique, afin de pouvoir rompre mon sentiment d'appartenance au matériau et assumer la tâche d'arranger une série de fragments « sans auteur ». Le processus est également guidé par un désir primordial d'entendre une musique qui semble émaner d'une nature vitale et qui conserve en même temps les ligaments d'une conscience humaine fracturée. Sur disque, je m'efforce d'inclure autant de sons acoustiques et électroniques que possible, enregistrés de la manière la plus variée possible. Dans les limites de la performance solo, je me sens inévitablement obligé de mélanger guitare acoustique, synthèse électronique, objets trouvés et enregistrements de terrain, même si j'ai parfois inclus de l'erhu, des percussions, du kalimba et du piano. Ce sont simplement les instruments sur lesquels je me sens le plus à l'aise pour improviser.
Ces deux dernières années, j'ai mis le développement de mon album en suspens, le temps d'assembler et de me familiariser avec mon synthétiseur modulaire de valise, un rêve de longue date qui s'est réalisé. Ce chevalet de musique électronique a profondément influencé ma démarche et occupera une place importante dans mes prochains enregistrements.
Ce projet solo est tout à fait envisageable, mais il laisse une place à la collaboration, notamment grâce à certains visuels très intéressants que vous avez utilisés par le passé. Comment cela s'intègre-t-il au projet ?
J'ai toujours voulu m'aventurer dans un assaut technique et théâtral complet sur les sens, mais jusqu'à présent, je n'ai réussi qu'à combiner musique et visuels et je le fais généralement avec mon ami et artiste Joe Dodaro, mais je suis également en train d'essayer de forger une œuvre fixe avec des amis et cinéastes basés en Allemagne.Quimu Casalprim Suarez et Katharina Huber. Pour les vidéos en direct, j'aborde généralement Joe avec un concept ou un principe de base et nous capturons généralement des images ensemble, après quoi il monte et passe le matériel à travers des routines techniques avec un retour continu. Le processus semble bien fonctionner pour nous et est généralement lié à un autre travail créatif que je fais à ce moment-là, comme l'écriture ou la photographie. J'ai l'impression que les spectacles où je me produis avec des visuels spécifiquement conçus pour le plateau sont généralement bien reçus car ils offrent une sorte de récit visuel/rythmique pour les gens qui ont du mal à se connecter à la musique sans paroles. Les gens aiment juste les rectangles lumineux, je suppose.
Et en parlant de collaboration, vous avez joué dans d’autres groupes ces derniers temps, notamment des sleep-rockersPicastroet ensemble de chambreSur mesureCes créations sont-elles le fruit de votre collaboration avec Nick Storring ? En quoi votre travail créatif diffère-t-il dans un contexte de groupe ?
J'ai commencé à jouer avec Picastro l'année dernière, juste avant une tournée en Europe de l'Est que nous avons faite ensemble à l'automne. J'avais déjà eu des contacts par courriel avec Liz Hysen et je connaissais Brandon Valdivia et Nick Storring grâce à leurs concerts à Toronto. À l'origine, je suis arrivé à bord pour remplacer Nick, qui n'a pas pu partir en tournée, mais j'écris maintenant avec le groupe pour des fins intéressantes. Le processus est assez différent du mien, mais néanmoins engageant.
Bespoken est un groupe de musiciens créé par Nick. Il est conçu pour interpréter les compositions de ses membres ainsi que celles de compositeurs extérieurs. C'est formidable de pouvoir composer pour ensemble de chambre, de jouer avec d'autres musiciens talentueux et de donner une nouvelle dimension à mon jeu après de nombreuses années passées à composer dans un style plus hermétique.
Comment êtes-vous impliqué dans le nouveauRapportEspace/lieu ? À quoi peut-on s'attendre ?
Je suis l'un des membres fondateurs du collectif qui gère l'espace Ratio. Ses rudiments : Ratio est un espace ouvert d'environ 1000 à 1200 pieds carrés adjacent au marché de Kensington et est disposé à interagir avec les communautés artistiques à travers diverses pratiques dans l'espoir de générer des dialogues stimulants et durables. J'aime le considérer comme un lieu où l'art peut ramener les gens à la malléabilité de leur propre vie ou comme un refuge pour l'expérimentation et la culture critique ; mais tous ceux qui ont l'esprit ouvert et la bonne humeur sont invités à s'engager dans la programmation. Il peut s'agir d'une galerie modeste, d'une salle de spectacle, d'un espace de répétition de musique ou de danse, d'un théâtre, d'un studio d'impression, d'un cinéma, d'un espace d'étude ou d'un espace de travail général. Nous avons une programmation variée en cours de préparation, mais ce que deviendra exactement Ratio dépendra beaucoup de la façon dont la communauté s'engagera dans l'espace. Nous avons notreévénements inéditsLe programme est prévu pour les dernières semaines de juillet et devrait être plus régulier en août et au-delà. Une fois tout opérationnel, nous espérons organiser en moyenne entre 3 et 10 événements par mois, selon leur ampleur. Restez à l'écoute.
[Crédit photo : Nick Kuepfer]