David Jones : L'interview de Wavelength

Avec pas moins de trois projets en cours à tout moment, comment équilibrez-vous votre temps avec chacun d'eux et pouvez-vous parler un peu de l'inspiration derrière chaque projet ?

Oh là là, je ne pense pas vraiment gérer mon temps ! Je suis sûre de ne pas être la seule à reconnaître que la quasi-totalité de mon temps libre est consacrée à ces projets. Bile Sister et Manticore sont mes projets collaboratifs les plus connus. C'est inspirant de travailler de manière créative avec Julie Reich et Zoe Alexis-Abrams et de parvenir à un résultat final inimaginable. Une musique qui dépasse l'imagination d'une seule personne est unique ; il y a une sorte d'alchimie dans le mélange et l'association de talents et de capacités, naturels ou acquis. Les projets collaboratifs à long terme comme ceux-ci, qui s'articulent plus ou moins autour d'éléments d'improvisation, requièrent de la vulnérabilité – la capacité à aller contre son instinct, à faire preuve de confiance et de patience. Je suis timide et anxieuse, alors parfois, jouer d'un instrument est un meilleur moyen pour moi d'entrer en contact avec les gens et de socialiser.

J'ai vu Julie jouer pour la première fois dans le rôle de Bile Sister lors d'un concert au 961A, alors que nous étions toutes les deux à l'affiche. Je me suis présentée à elle car j'étais vraiment touchée par sa musique et sa façon de jouer du Roland JX-3P. Très vite, nous sommes devenues amies, et peu après, j'ai rejoint le groupe. Je travaille et compose des chansons avec elle depuis plus de deux ans maintenant, et ça m'a semblé être une association naturelle. Elle a le don de superposer des mélodies douces et acidulées sur un mélange vibrant et magnifique de rythmes lo-fi et de synthés.

Zoe et moi avons récemment discuté de la façon dont Manticore a commencé comme une expérience de drone et a évolué de lui-même vers quelque chose qui s'apparentait davantage à l'opéra… peut-être à un opéra extraterrestre ? Au début de l'enregistrement, nous placions un micro à condensateur au milieu de la pièce et jouions. En nous installant confortablement pour écouter, nous étions époustouflés par ce que nous avions créé dans cet espace. Ce que Zoe peut faire avec sa voix et la façon dont nous pouvions nous accorder sur le moment ont été une sorte d'épiphanie pour moi. L'année dernière, nous avons fait la première partie d'Eyvind Kang et Jessica Kinney, joué à St. Andrew-by-the-Lake avec le CCMC Duo et ouvert le festival Electric Eclectics, jouant sous le soleil couchant derrière le public. Dans ces deux groupes, il est difficile de trouver de nouvelles voies et de prendre des risques. Nous sommes parfois les rares à l'affiche, mais c'est ce qui me passionne le plus.

Presque à chaque fois que je vous vois jouer en solo, vous avez l'impression d'être debout (ou à genoux) devant un dispositif technique différent, chacun plus complexe que le précédent. Quels facteurs déterminent ce que vous jouerez à un concert donné et quel travail est nécessaire à la création de ces générateurs de bruit ? Avez-vous suivi une formation en électronique ?

Je suis un autodidacte typique, j'ai donc principalement appris par mes lectures et mes vidéos YouTube. L'électronique est pour moi une forme de magie. On entre dans le domaine des particules subatomiques ; tout est invisible et théorique. Mais il existe des formules, des schémas et des symboles investis de significations énigmatiques et porteurs d'un pouvoir immense – ou de sons amusants. J'ai raté les cours de sciences et de mathématiques au lycée, alors revenir des années plus tard à ces principes par moi-même m'apporte une confiance et un enthousiasme renouvelés. Je suis toujours en apprentissage, et la création ne représente qu'une partie de mon intérêt pour la conception sonore. Mais j'apprécie l'intimité de la construction ou de l'assemblage d'équipements. Le fruit de mes recherches et du travail continus entre mes spectacles est généralement ce que j'apporte lorsque je me produis en solo. Les matériaux sur lesquels je travaille sont injectés dans la situation réelle, ce qui explique la diversité des configurations. Il ne faut pas sous-estimer la prédominance des échecs chaotiques, des machines étranges à moitié fonctionnelles, des objets cassés ou jetés, et des accidents fortuits survenant dans le projet ou la performance. Il ne s’agit pas non plus de sous-estimer le lien émotionnel que j’ai avec mon travail solo en tant que Hexzuul qui est, comme on pouvait s’y attendre, le plus proche de mon cœur de tous mes efforts actuels.

Nous vous avons vu collaborer à plusieurs reprises avec d'autres artistes, généralement sous votre pseudonyme « Hexzuul ». Nous vous avons vu performer avec des danseurs interprètes et des artistes de projection en direct. Comment naissent ces collaborations et travaillez-vous sur d'autres collaborations notables ?

Mon travail est très axé sur la matière, j'imagine donc constamment de nouvelles façons de le faire exploser ou de l'interconnecter avec d'autres disciplines et pratiques. La collaboration est-elle le baume du maniaque du contrôle ? Certaines de mes premières performances étaient au théâtre, comme musique pour des pièces et des performances. J'apprécie le spectacle et la candeur du mouvement corporel. Travailler avec Cassandra Witteman (Chrysanthemum White Alder) pendant des années dans le cadre de The Good Children m'a beaucoup appris sur la façon d'interagir avec la performance en direct, combien il est important d'observer au-delà du domaine auditif. Son travail va au-delà de la danse pour englober la conception de costumes et la performance vocale et a été une source d'inspiration majeure pour moi de me produire en direct. J'ai toujours pensé que ma musique, abstraite et sans voix, désire une forme tactile et une suggestion visuelle, c'est donc gratifiant de travailler avec d'autres dans ce sens.

Je réfléchis beaucoup à mon genre et à mon origine culturelle en ce qui concerne la musique que j'écoute et que je compose : existe-t-il des moyens de m'affranchir naturellement de mon rôle habituel ? La danse et la performance sont, je pense, sous-estimées, non seulement parce qu'elles sont difficiles à marchandiser, mais aussi parce qu'elles sont perçues par un système patriarcal privilégiant la performance rock masculine.de rigueurSpectacle scénique. Comme vous l'avez vu, mes performances solo deviennent parfois très performatives. Concernant la vidéo, je travaille avec Mandelbrut (Luis Hernandez) depuis plus de trois ans, et ses projections fractales analogiques ont constitué un élément crucial de nombre de nos performances collaboratives Good Children. Nous avons tous les trois tenté d'évoquer des environnements liminaux, intenses et rituels par le son, l'image, la danse et la voix. Ces performances m'ont personnellement rapproché de la trame onirique et mémoriel qui inspire mon travail.

Mandelbrut a récemment travaillé sur un procédé de spectacle de lumière liquide chimique aux effets visuels extrêmement riches. L'une des propriétés de ce spectacle est l'absence de fréquence de rafraîchissement ni de lignes de balayage dans les projections. Il s'agit simplement d'une lumière pure et incandescente, de sorte que le mouvement des produits chimiques colorés reste fluide et profondément saturé, rampant comme des éclaboussures sanglantes sur le mur. Nous continuons de collaborer sous le nom de Hexzuul et Mandelbrut, où je me produis à l'intérieur des projections. C'est un espace puissant et magique pour moi. J'ai encore une cicatrice sur la lèvre, souvenir de ce que j'ai fait lorsque j'étais possédé par ce que nous avons créé lors de Ghost Hole VI à Halloween dernier.

Vous avez également participé à la production de certaines œuvres vidéo. Approchez-vous cette forme d'art de la même manière que vous créez votre musique ? Qu'est-ce qui vous intrigue dans la vidéo en tant que média ?

Comme je l'ai mentionné plus haut, je suis très axé sur le matériel dans mon travail ; il m'a donc semblé naturel que mon intérêt pour le son se transpose à la vidéo. J'ai d'abord projeté des œuvres réalisées à partir de bandes 8 mm temporisées et traitées, mixées à des oscillateurs sinusoïdaux, il y a environ quatre ans. La simultanéité du son pur et de la vidéo m'a naturellement conduit à la synthèse vidéo, un domaine sur lequel je travaille depuis quelques années. Fait important, j'ai rencontré et travaillé depuis lors avec des vidéastes talentueux et expérimentés, tels que Mandelbrut, Philip Baljeu et MC NTSC, auprès desquels j'ai appris et qui m'ont aidé à me développer. Je fais partie d'un collectif informel appelé Videchrome, où nous travaillons et apprenons les uns des autres, documentons, créons et publions. La synthèse vidéo analogique se prête parfaitement au spectacle vivant, car la plupart des mécanismes de contrôle sont tactiles et ne nécessitent aucun rendu.

En vidéo, je commence par les signaux du synthétiseur vidéo et le retour optique, puis j'utilise des mixeurs et des chaînes d'effets pour le traitement et la performance. C'est fondamentalement la même chose qu'avec l'audio, sauf que c'est beaucoup plus volatile en direct. En vidéo analogique, nous travaillons avec un signal composite, donc impossible à modifier sans préserver les fréquences de syncope intégrées au signal, qui indiquent au téléviseur l'emplacement des lignes horizontales et verticales. Il est donc judicieux de réutiliser du matériel obsolète, car les circuits nécessaires à la modification des signaux vidéo peuvent être très complexes. Les vieux mixeurs, correcteurs de couleur, amplificateurs, caméras et unités d'effets sont essentiels à l'installation, et on les trouve à bas prix.

Je tourne actuellement un deuxième clip pour le groupe Mimico. Le premier, une aventure lo-fi, a été réalisé principalement avec du vieux matériel vidéo analogique. Pour celui-ci, nous avons tourné en studio et en HD. Je travaille avec Natalie Logan (qui a réalisé notre récent clip pour Manticore), Philip Baljeu comme ingénieur du son et les danseuses Carolyn Ellen et Tala Berkes. En tant qu'artiste/réalisatrice, je préfère laisser libre cours à la créativité et au talent de chacun pour enrichir le produit final. Jusqu'à présent, c'est formidable de travailler avec des collaborateurs aussi talentueux et créatifs.

Je n'ai jamais hésité à te dire que tu es l'un des artistes les plus avant-gardistes de la ville et que tu dois absolument faire voyager ton spectacle ! Peux-tu me dire ce qui, selon toi, empêche les artistes qui évoluent dans ces milieux marginaux, avec de la musique expérimentale, du noise, etc., de se faire connaître du grand public ?

Merci pour vos aimables paroles ! Quelle question, cependant… Je pense que tout média abordé avec un intérêt plus que superficiel ou cynique doit nécessairement avoir un attrait limité. Tiens, la culture pop ! Je crois aussi qu'une échelle plus réduite élargit les paramètres d'intimité et de connexion avec la musique et le son. L'intérêt croissant pour les cassettes éphémères, les musiques oubliées, méconnues et marginales du passé et du présent, en témoigne. Mais avec l'accès à la vente en ligne de pièces rares et insolites, ou leur conservation sur vinyles et CD, les possibilités de connexion émotionnelle et sociale se réduisent, et les propriétés magiques qui nous lient à la musique sont potentiellement amoindries. En cette deuxième décennie du XXIe siècle, nous sommes très conscients de notre relation à la musique. Nous sommes au bord du gouffre, avec plus d'un demi-siècle de musiques populaires et expérimentales enregistrées et interprétées, qui ont donné naissance à leurs légendes, héros, innovateurs et iconoclastes respectifs. Des figures qui seront à jamais vénérées au sommet de l'histoire de la musique. Je pense que la difficulté qu'éprouve cette génération à atteindre ces sommets, en raison de forces économiques, sociales et technologiques variées, a détourné l'attention du canonique vers le révisionnisme, pour ainsi dire. C'est une bonne nouvelle pour ceux d'entre nous qui ont toujours ressenti une affinité avec les exclus. Le juste milieu a disparu, laissant derrière lui une poignée de pop stars ultra-riches et un monde de la musique indépendante florissant, chancelant et en voie d'implosion.

Nous vivons dans une ville riche en artistes et quiconque s'attarde suffisamment longtemps peut constater que nous disposons d'un vaste bassin de musiciens expérimentaux talentueux. Y a-t-il quelqu'un basé à Toronto avec qui vous espériez travailler en particulier ? Et au-delà de cela, si vous aviez l'occasion de travailler avec un musicien célèbre, vivant ou décédé, qui serait-ce ?

Oui ! J'ai beaucoup de collaborations en cours qui me passionnent. Je repense à ta question sur la gestion du temps et je me demande si je pourrais faire mieux pour en mettre en place d'autres ! Mais elles prennent forme. Xuan Ye et moi allons faire notre deuxième performance improvisée collaborative à Dundas Video pour le premier anniversaire de Track Could Bend en avril. J'ai parlé de performances collaboratives avec Bryan Bray, Alan Bloor et Brigitte Bardon't. Andy Yue, Chris Trotter et moi avons aussi improvisé ensemble à Audiopollination et nous espérons nous retrouver pour un enregistrement. J'ai vraiment hâte de voir tout ça se concrétiser. Je travaille sur le remix d'incroyables morceaux de Mandelbrut et je collabore davantage sur des enregistrements avec Fog Spirits et Ruin. Je dirais que dans une sorte de monde de rêve, j’aimerais travailler avec Mika Vainio, Keiji Haino et Franck Vigroux, car je pense que je pourrais les surprendre tous dans la même pièce en même temps et jouer secrètement avec eux dans un coin.

De temps en temps, vous changez de casquette et animez votre propre série musicale, Dianetics. C'est toujours l'une des meilleures programmations que j'ai vues en ville et j'ai découvert de nombreux artistes underground talentueux en y participant. Quels sont les artistes de la ville qui vous intéressent le plus en ce moment ?

Oui, je prévois d'animer prochainement un autre spectacle de Dianétique et j'ai hâte d'inviter le public à jouer. J'ai conçu cette série comme une expérience que je souhaitais voir se produire – un mélange de performance, de danse, d'art vidéo, de bruit, de drones et de tout ce qui semblait correspondre à l'ambiance – une intensité mystique et magique alliée à une brutalité physique dans la production et l'interprétation des œuvres présentées (corps en mouvement, technologie analogique, métal amplifié et musique composée de blocs de ciment me viennent à l'esprit lors de précédents événements de Dianétique). Il se passe beaucoup de choses passionnantes dans cette ville et de nombreux artistes de talent reçoivent l'attention qu'ils méritent. J'ai beaucoup apprécié ce que j'ai entendu de Cares, Babel, Cetacea, Xuan Ye, Ceramic TL, Brigitte Bardon't, The Despot, Ruin, HF, Ambsace et bien d'autres. J'aimerais aussi réaliser davantage de collaborations vidéo et de clips musicaux, et plus de performances live avec des danseurs, des performeurs et des artistes visuels.

Ce vendredi, vous jouerez dans un environnement unique et rafraîchissant, où il est interdit de parler. Comment pensez-vous que les gens communiqueront entre eux ? Vous pouvez parler à travers votre musique, mais pour ceux d’entre nous qui n’en ont pas les moyens, comment aimeriez-vous que les gens communiquent ?

Je suis le genre de personne qui peut s'égarer et dire quelque chose par accident… j'espère pas une insulte. J'espère donc ne pas gâcher la surprise. Mais Array Space est connu pour ses concerts avec un public respectueux et attentif, donc ça ne paraîtra pas si inhabituel. Cependant, je soupçonne un public plus nombreux, donc ce sera pour le moins très intéressant. Je suis pour les expériences sociales, alors allez-y, essayons ! Même si je déteste les bavardages qui circulent en concert (et j'ai vu des artistes noise se faire entendre), nous en sommes tous coupables, dans une certaine mesure. Les concerts sont des espaces de connexion, donc ce n'est pas sans raison que nous devons socialiser et nous enthousiasmer. Mais j'aimerais voir encore plus de ce genre de choses ; peut-être un spectacle sans lumières, une soirée pyjama avec drones ?

Enfin, quel est votre projet solo ? …avec Bile Sister ? …et avec Manticore ? Le public en redemande !

Enregistrement, enregistrement ! Bile Sister travaille sur de nombreuses nouvelles chansons pour notre prochain album complet. Nous partirons en mini-tournée avec Chandra Oppenheim début avril, en tant que groupe de soutien et en première partie. Manticore crée également de nouvelles chansons à interpréter en live. Nous ferons la première partie de M. Lamar au Ratio le 26 mars et sommes en train d'enregistrer davantage de matériel. Et comme toujours, je compile davantage d'enregistrements solo qui se retrouvent sur Bandcamp, des cassettes à tirage limité, des CD ou SoundCloud. Je travaille également sur davantage de bruits audio/visuels et de vidéos de drones, dont certaines que j'ai déjà publiées sur des compilations VHS via Videchrome.

— Interview par Jay Pollard (Invocation Presents)