Fournisseurs de :Musiques « nouvelles » accessibles et variées. Les croisements entre l'improvisation, la musique contemporaine et les espaces où elles se produisent.
Fichier suivant :Coup sur une canette, Ann Southam, Norma Beecroft
Jouant: « Wavelength à Doors Open Toronto » – Samedi 27 mai, 14h15 à Evergreen Brick Works.Concert gratuit – informations ici!
En 2015, l'improvisateur et compositeur prolifique Allison Cameron et l'ensemble local de musique contemporaineContactIls ont collaboré sur l'album A Gossamer Bit. Recueil de pièces de Cameron, l'album sera présenté samedi à l'Evergreen Brick Works, permettant au public de mieux s'imprégner de la nature environnante. Avant le concert, Jerry Pergolesi, percussionniste de Contact, et Allison Cameron elle-même ont discuté avec Stefan Vladusic de Wavelength de leur musique et de l'acte même de créer.
Les premières questions s'adressent à Contact, mais chacun peut bien sûr y répondre. Contact est un groupe composé de musiciens aux goûts et aux parcours très différents : comparez l'amour de Jerry pour la synth-pop à celui de Wallace [Halladay] pour la musique classique complexe. Comment mêlez-vous toutes ces influences pour composer et jouer votre musique ? Pensez-vous que votre approche plus improvisée permet à ces influences variées de mieux fonctionner ensemble ?
Jerry :Contact était à l'origine composé de membres d'une école de musique communautaire. L'idée de réunir des personnes d'horizons différents et de travailler ensemble était donc centrale. L'environnement de l'école de musique communautaire visait avant tout à rendre les choses aussi accessibles que possible à tous ceux qui le souhaitaient, indépendamment des barrières sociales qui pourraient empêcher la participation. Dans cette optique, de nombreux groupes de musique classique partent du principe que même sans origine ouest-européenne, on doit l'avoir adoptée – c'est pourquoi on s'implique dans ce projet. Contact est en quelque sorte l'antithèse de ce principe. L'objectif de Contact est d'accueillir tout le monde et de reconnaître toutes les origines. À ce propos, j'aime beaucoup cette dichotomie entre Wallace [le saxophoniste de Contact] qui aime la musique complexe et moi qui aime la synth-pop. Wallace aime aussi la synth-pop, et j'aime les musiques complexes, mais pas autant. Il y a une convergence de vues, mais c'est la diversité qui rend le tout encore plus passionnant.
Je ne pense pas que nous naviguions entre ces influences, mais que nous essayions plutôt de les gérer, de les utiliser, et de les différencier. Du coup, nous créons des tensions pour finalement sonner comme nous le faisons. Mais chacun reste fidèle à lui-même – Sarah [Fraser-Raff, la violoniste de Contact] reste profondément Sarah, et joue et fait ce qu'elle fait. Il ne faut pas chercher à atténuer cela, il faut simplement laisser les choses se produire. Je vois donc cela comme une opportunité pour que des possibilités se présentent.
Votre programme annuelMusic from Scratch, invite les jeunes compositeurs à expérimenter et à créer des œuvres collaboratives avec l'ensemble. Par conséquent, il accueille souvent des artistes sans formation musicale formelle, voire sans expérience. Il y a certainement des choses qui, à mon avis, seraient difficiles à créer et à communiquer sans cette formation, mais il existe forcément des débouchés que les musiciens expérimentés n'ont probablement pas. D'après votre expérience, quelles qualités partagent ces nouveaux venus dans la musique ? De même, avez-vous remarqué des forces créatives chez les artistes non musiciens (par exemple, les peintres ou les photographes) ?
Jerry : With Music from ScratchNous n'invitons pas de « jeunes compositeurs » – nulle part dans la littérature on ne trouve le mot « composer ». Nous créons de la musique. Si quelqu'un s'identifie comme compositeur, c'est très bien – mais personnellement, je n'aime pas utiliser le mot compositeur dans ce cas. Mais c'est absolument un lieu d'expérimentation et de travail collaboratif. Il a été conçu principalement comme un forum pour que les personnes sans formation musicale puissent exprimer leur voix musicale, et le groupe comme un canal pour cela. Donc parfois, les personnes les plus ouvertes sont celles qui n'ont pas de formation musicale, car elles ne sont pas limitées par des années de formation comme d'autres. Je ne me contente pas de critiquer les facultés de musique – le fait est que je trouve franchement consternant que certains pensent qu'à moins d'avoir des années de contrepoint, d'harmonie et d'orchestration, on n'a pas le droit de faire de la musique expérimentale ou exploratoire. Je trouve cette attitude tout simplement horrible.
Avec Music from ScratchNous pourrions inviter quelqu'un ayant une formation en arts visuels à créer une œuvre d'un point de vue visuel – l'expérience visuelle étant la principale motivation. Ce genre de choses devient pour moi un moment fort. Nous pourrions aussi inviter des personnes ayant une formation en composition stricte à s'écarter pour la première fois des standards de la musique contemporaine et à revenir de manière totalement créative.
En tant que groupe, la sortie la plus récente de Contact est une nouvelle version réimaginée de l'album phare de Brian Eno.Musique discrèteLes premières œuvres d'Eno abordaient avec brio l'idée que la musique était un élément secondaire plutôt qu'un objet auquel on pouvait s'intéresser directement. Cette idée d'être « en arrière-plan » a-t-elle été intégrée à votre réinvention ? Si oui, comment l'avez-vous intégrée à l'album ? Sinon, quelle idée aviez-vous en tête en invitant le public à s'engager plus directement dans l'œuvre ?
Jerry:Je dois mentionner que j'ai été complètement époustouflé par Bang on a Can'sMusique pour les aéroports, et leurs arrangements de cette pièce. Je trouvais que ça éliminait la lourdeur de la musique de chambre contemporaine et la rendait accessible à un autre public. Je voulais vraiment faire ça. Pendant des années, j'ai demandé à Michael Gordon si je pouvais obtenir l'arrangement, et il a toujours dit « non ! » (rires). Alors, au bout d'un moment, je me suis dit qu'il fallait que je trouve ma propre façon de faire, et j'ai fini par…Musique discrèteIl est important de noter queMusique discrèteest générative, donc elle fonctionne avec peu de matériel à hauteur tonale. Elle dure 30 minutes, simplement parce que c'est le temps qu'on pourrait mettre sur une face d'un disque vinyle. Mais la façon dont la pièce est écrite permet de commencer un vendredi soir et de jouer jusqu'à la semaine suivante. Donc, d'une certaine manière, c'était une façon de rendre hommage à ce genre de processus.
Mon seul objectif pendant l'écriture était de créer cet hommage ; je ne pensais pas vraiment à l'interaction du public. Mais lorsque nous avons commencé à jouer la pièce en direct, j'ai remarqué que les gens s'arrêtaient net et interagissaient vraiment avec elle ! Et cela m'a fait penser : « Waouh, ce n'est pas vraiment une musique de fond ; c'est vraiment une musique avec laquelle on se connecte ! » Lorsque les critiques sont sorties, j'ai constaté que la plupart des gens l'avaient peut-être mise en arrière-plan, mais qu'ils finissaient par s'intéresser à la pièce. Je pense qu'ils se sont intéressés à l'aspect humain de la réinvention et qu'ils ont travaillé avec.
CONTACT-MUSIQUE DISCRÈTE from Contact (Musique contemporaine) on Vimeo.
Les prochaines questions s'adressent à Allison, mais, encore une fois, chacun est libre d'ajouter et de contribuer. Vous êtes un membre influent et de longue date de la scène musicale improvisée torontoise, et je me demandais donc comment l'accessibilité des instruments et des logiciels a influencé cette scène. À une époque où je peux charger un synthétiseur modulaire entièrement fonctionnel sur mon téléphone en quelques secondes seulement, comment pensez-vous que la scène improvisée a évolué, tant sur le plan sonore que social ?
Allison: Pour moi, l'invention de nouvelles choses avec lesquelles jouer, comme avec les nouvelles technologies numériques, est amusante et toujours bienvenue sur toute scène musicale créative. Cela ajoute à la palette de sons disponibles pour l'improvisation et crée également potentiellement de nouvelles façons de faire de la musique.
Le fait que nous puissions charger des synthétiseurs entièrement modulaires sur nos téléphones rend ces créations plus accessibles et parfois plus fantaisistes. Mais s'ils sont utiles pour l'improvisation, ils seront certainement utilisés. En termes d'impact, je pense que les nouveaux « jouets » peuvent offrir une exploration sonore intéressante et potentiellement de nouvelles approches de la création musicale. Je ne vois pas comment cela a pu changer socialement la scène musicale improvisée. Les gens aiment toujours parler de matériel ! Quoi qu'il en soit, certaines « applications » ont rendu des choses comme les anciennes technologies accessibles à tous, ce qui, je pense, est une bonne chose.
C'est une question qui nécessite un peu de préparation, alors soyez indulgents. Il y a environ un an, j'ai eu l'occasion d'entendre le professeur Mark Fewer (professeur d'interprétation des cordes à McGill) parler des implications de la partition numérique et de la façon dont une partition numérique peut souvent perdre involontairement des informations encodées dans une partition manuscrite. Il a cité l'exemple des trilles, qui, par leur forme, peuvent transmettre une dynamique et un phrasé, qui seront perdus lors de la numérisation. Que vous soyez d'accord ou non, je me demandais si ce type de raisonnement s'applique à la composition non traditionnelle : en tant que compositeur, incluez-vous dans les partitions des informations qui seraient perdues lors de la numérisation ? Et pour Contact, pensez-vous qu'une partition numérique ou non numérique fasse une différence en termes d'interprétation ? Ou est-ce simplement un faux problème ?
Allison :Je suppose que vous entendez par notation numérique l'utilisation d'un ordinateur pour noter une partition et ses parties. On est facilement d'accord avec Mark (le professeur Fewer). La plupart des logiciels de notation commerciaux n'ont pas été conçus pour la notation de la musique classique, mais pour la musique populaire et/ou la musique sacrée (comme Finale par exemple). Il a fallu des décennies aux développeurs de notation informatique pour proposer un logiciel répondant aux besoins de la plupart des compositeurs modernes, et ils n'y parviennent toujours pas. Je pense cependant que les éditeurs professionnels ont accès à la technologie numérique qui leur permet d'imprimer les partitions contemporaines selon leurs besoins. J'aimerais bien avoir leurs logiciels !
Ainsi, la technologie nécessaire pour écrire correctement de la musique ou des partitions « manuscrites » sur ordinateur reste inaccessible à la plupart des gens. Par conséquent, les partitions manuscrites sont plus directes et flexibles si vous souhaitez noter d'une manière qui ne tombe pas dans les méthodes restrictives de la plupart des logiciels de notation informatique. L'autre problème qui entre en jeu est celui de la littératie numérique par rapport à la littératie en notation musicale. Il est vrai que les logiciels de notation numérique ont rendu la notation musicale accessible à tous, mais tout le monde ne sait pas comment noter correctement la musique. Je me demande parfois si les développeurs de logiciels connaissent les bonnes pratiques de notation musicale. C'est une partie du problème de la « perte » d'informations.
Jerry :Pour l'interprète, je pense que cela dépend de nombreux facteurs. Il s'agit essentiellement de la source de l'œuvre, de son adhésion à certaines normes de performance et de son interprétation. Certains, à qui l'on donnerait une partition picturale, se demanderaient : « Mais qu'est-ce que c'est ? » (rires). Dans ce cas, je ne pense pas que cela aurait d'importance. Mais d'autres, au contraire, verront peut-être quelque chose là où d'autres n'ont rien vu. Je pense que c'est un cas pour tous.
Dans le morceau d'ouverture deUn peu de gazeDans « Troisièmes, Quarts et Quintes », l'harmonica joue un rôle prépondérant. L'utilisation de cet instrument dégage une atmosphère particulière qui me rappelle les régions rurales et la musique folklorique. Pourquoi avez-vous eu l'idée d'utiliser cet instrument, peu utilisé en musique de chambre, et votre intention initiale était-elle d'évoquer cette atmosphère ?
Allison : «« Two Guitars, 4ths & 5ths » est une pièce que j'ai initialement composée pour mon groupe, l'Allison Cameron Band. Toutes les pièces que j'ai composées pour ce groupe étaient d'inspiration folk. Lorsque Contact m'a initialement sollicité, j'ai fait un arrangement de « Two Guitars » de mon répertoire, qui est devenu « Two Guitars, 4ths and 5ths ». Mon intention avec « Two Guitars » était clairement d'évoquer une atmosphère « folk », mais je ne peux pas dire que ce soit la même chose pour « Two Guitars, 4ths and 5ths ». Évidemment, avec les harmonicas, il y aura toujours une référence à la musique folk ou pop. Mais pour moi, « Two Guitars, 4ths and 5ths » était davantage une exploration du timbre et l'occasion d'entendre comment une pièce pour deux guitares, banjo et harmonica sonnerait dans un contexte de musique de chambre contemporaine.
Enfin, en tant que grand fan deUn peu de gaze, je dois demander : y a-t-il des collaborations Contact + Allison Cameron à l'horizon ?
Jerry :Allison a probablement mille et une choses à faire, mais j'aimerais bien avoir une autre opportunité. Nous n'avons rien de prévu, mais je pense que c'était une bonne combinaison.
– interview par Stefan Vladusic